Comencé a fotografiar cuando tenía once años y durante casi dos décadas, fui exclusivamente autodidacta. Un largo trayecto que me ha permitido madurar en el lenguaje visual a medida que me hice adulta. Un lento crecimiento — en paralelo y casi reciproco — que no solamente profundizó mi percepción sobre la imagen sino además, como aprender sobre fotografía por mis propios medios. Y es que la fotografía, como arte y técnica, es una mezcla de experiencia, conocimientos y sobre todo, esa capacidad de todo artista de construir una visión sobre el mundo a su medida, bajo sus propios parámetros y de acuerdo a su opinión sobre la realidad. Una combinación que hace de toda imagen una interpretación muy concreta sobre la manera de mirar de cada fotógrafo.
Como dije más arriba, por casi veinte años fui autodidacta. En Venezuela la educación fotográfica era escasa, costosa y sobre todo inaccesible a una adolescente pasionalmente enamorada de la fotografía, como yo lo era. Así que decidí aprender a través de la experiencia: fotografié todo lo que pude, investigué y leí siempre que lo necesité y sobre todo, hice muchas preguntas. A fotógrafos de más edad y experiencia, a quienes atendían las tienda de fotografía que solía frecuentar, a todo quienes amaban la fotografía como yo. ¿El resultado? una experiencia de aprendizaje sustanciosa y sobre todo, profundamente valiosa que aún atesoro. Y que me ha dejado algunos conocimientos concretos que continúan siendo de inestimable valor, incluso ahora cuando mi relación con la fotografía se transformó en algo más personal y sobre todo, intimo de lo que había sido hasta ahora. No obstante, lo que aprendí durante mis largos años como aprendiz solitaria, fue que aprender fotografía es una mezcla de tenacidad, curiosidad y amor por la imagen. Y quizás también, cierta coherencia entre lo que deseamos aprender y más allá, como deseamos comprender nuestra propia capacidad fotográfica.
Por ese motivo, durante todo mi proceso de aprendizaje, me pregunté — y pregunté — más de una vez, cuales debían ser los conocimientos básicos que todo fotógrafo debía tener. La conclusión que obtuve — luego de años de reflexionar sobre la respuesta — es que el fotógrafo necesita no sólo conocer la técnica en la cual se basa la fotografía como método creativo sino también lo que sustenta el concepto visual que aspira transmitir como mensaje visual. Una forma de analizar la fotografía desde múltiples perspectivas y que permite asumir que la imagen — o el resultado que esperamos de ella — es algo más profundo que lo que obtenemos sólo desde la herramienta que utilizamos. En otras palabras, una idea que se construye en base múltiples factores de idéntica importancia.
¿Cuales serían esos conocimientos imprescindibles que todo fotógrafo debe tener al momento de aproximarse a la fotografía desde un ángulo profundo y creativo? Muy probablemente, los siguientes:
Historia de la Fotografía:
La fotografía es un arte/técnica relativamente joven, en comparación con otros géneros artísticos que suman siglos de historia, conocimiento y aprendizaje. Al contrario, la fotografía nació gracias a la técnica científica y quizás por ese motivo, con frecuencia se confunda la necesidad de una herramienta mecánica o tecnológica como lo es la cámara, con su verdadero sentido artístico. No obstante, la fotografía — como disciplina — es una heredera directa de otras artes visuales y deudora de las grandes concepciones del arte Universal. De una u otra manera, la fotografía es la reinvención de una serie de expresiones artísticas, que encuentran en su inmediatez, capacidad de expresión y sobre todo, singular poder de evocación, una manera totalmente nueva de expresarse.
Por eso motivo, todo fotógrafo que aspire a construir un lenguaje visual consistente, debe conocer — o al menos, tener una noción consistente — sobre la historia de la fotografía. Desde los primeros intentos de captar la imagen inmediata a través de la cámara oscura inventada por Leonardo DaVinci, hasta el triunfo de la técnica y la idea visual en la primera placa de Daguerre. La lenta pero sostenida evolución de la fotografía como visión domestica y privada hasta su enorme capacidad para documentar y captar la realidad desde perspectivas totalmente nuevas. Todo un lento proceso que ha transformado lo que fue un experimento químico y técnico en una propuesta artística por derecho propio. Y es que aprender sobre la historia de la fotografía proporciona al fotógrafo la perspectiva necesaria para comprender el impacto visual de la imagen, su evolución y desarrollo y más allá, lo que ha sido una consistente construcción de valores y símbolos propios del lenguaje. En otras palabras, una noción que va desde la técnica — necesaria — a la concepción artística — imprescindible — para conocer el poder y el valor de arte visual como testigo de nuestra historia y capacidad de expresión.
Nociones técnicas básicas:
Todo fotógrafo comienza fotografiando por instinto. Lo hace lo mejor que puede y con frecuencia a través del ensayo y error. Y sobre, todo, intentando aprender sobre el funcionamiento de su equipo de forma casi mecánica, la mayoría de las veces sin comprender realmente los alcances e importancia de las diversas variaciones técnicas o como influye el conocimiento del equipo sobre el resultado final de la fotografía.
De manera que, conoce tu equipo. Edúcate para crear. Incluso si no se encuentra entre tus posibilidades tomar cursos y talleres fotográficos formales, procura aprender de tu cámara y del equipo que dispones todo lo que puedas. Revisa las opciones que te permitirán tener un completo control sobre el resultado final de tus fotografías, intenta aprender todas las bondades técnicas que te brinda la cámara como herramienta creativa. Realiza pruebas sencillas y completas, práctica todo lo que pueda, trata de comprender hasta que punto la cámara y sus diferentes posibilidades puede brindarte una manera nueva de construir las imágenes que intentas crear.
¿Qué términos y funciones básicas de tu equipo debes conocer por necesidad? Las siguientes:
- Búfer: El búfer no es otra cosa que memoria de la cámara que almacena las fotos digitales antes de que se graben en la tarjeta de memoria.
- CCD: Siglas en inglés de Charge Coupled Device (dispositivo de carga acoplada). Uno de los dos tipos principales de sensores de imágenes utilizados por las cámaras digitales actuales.
- CMYK: Acrónimo en inglés de Cyan, Magenta, Yellow and Black (cian, magenta, amarillo y negro). Los cuatro colores del juego de tintas utilizado por muchas impresoras de calidad fotográfica.
- Contraste: Es la diferencia entre las zonas más claras y más oscuras de una foto. Es un concepto que procede directamente de la época del revelado químico y se refiere directamente al principio de “Blanco y negro absoluto”.
- Diafragma: Una vez tuve un profesor de fotografía que decía que en el diafragma, comienza la magia de la imagen. Y es verdad: esta pequeña abertura circular dentro de la lente que puede variar de diámetro a fin de controlar la cantidad de luz que llega al sensor de la cámara al tomar una foto, es la responsable directa del resultado final de la imagen que tomarás. El diámetro del diafragma se expresa en números f, cuanto menor sea el número, mayor será la abertura de diafragma. La abertura de diafragma y la velocidad de obturación controlan conjuntamente la cantidad total de luz que llega al sensor. Una mayor abertura deja pasar más luz al sensor.
- Equilibrio de blancos: Otro de los términos que suelen prestarse a confusión y que se considera de indispensable conocimiento dentro de la fotografía. El equilibrio — balance de blancos — no es otra cosa que la función de la cámara que permite compensar los diferentes colores de luz emitidos por distintas fuentes de iluminación.
- Escala de grises: También de o Imagen formada por varios tonos de blanco y negro. La escala de grises es la representación de una imagen en la que cada pixel se dibuja usando un valor numérico individual que representa su luminancia, en una escala que se extiende entre blanco y negro.
- EXIF: Siglas en inglés de Exchangeable Image File (archivo de imagen intercambiable). Formato de archivo utilizado por la mayoría de las cámaras digitales.
- Histograma: Una vez leí que el histograma es la fotografía real, expresada en luces y sombras. Y de hecho, es la representación gráfica de la gama de tonos de una foto, desde las zonas más oscuras a las más claras, resaltando las irregularidades.
- JPEG: formato estándar de compresión de datos de imágenes desarrollado por Joint Photographic Experts Group (Grupo conjunto de expertos fotográficos), de donde, de hecho, proviene el nombre JPEG. En sentido estricto, JPEG no es un formato de archivo sino un método de compresión que se emplea dentro de un formato de archivo, como el formato EXIF-JPEG. Este formato produce pérdidas parciales de la calidad de la imagen a fin de conseguir índices de compresión muy elevado.
- LCD: Siglas en inglés de Liquid Crystal Display (monitor de cristal líquido). Es la famosa “pantallita” de las cámaras digitales actuales y que no es otra cosa que un monitor de bajo consumo que previsualiza las imágenes que contiene la cámara en su tarjeta de memoria.
- Megapíxel: equivale a un millón de píxeles.
- RAW: Es sin duda, el formato por excelencia del fotógrafo actual. El formato RAW es de hecho, el único formato que contiene la totalidad de los datos de la imagen tal y como ha sido captada por el sensor digital de la cámara fotográfica.
- Píxel: Las siglas en inglés de Picture Element (elemento gráfico). Las fotografías digitales están compuestas de miles o millones de ellos; son los elementos constitutivos de las imágenes digitales.
- PPP: Es la abreviatura de puntos por pulgada. Es la unidad de medida de resolución de fotos o dispositivos digitales como, por ejemplo, impresoras y cámaras digitales. Cuanto más elevado sea este número, mayor será la resolución de la imagen a obtenerse con la cámara.
- Velocidad de obturación: Es otra de las variables de primordial importancia dentro de la terminología técnica de la fotografía. La velocidad de obturación de la cámara mide el tiempo que el obturador permanecerá abierto mientras se toma la foto. Cuanto menor sea la velocidad, mayor será el tiempo de exposición.
- Velocidad ISO: clasificación de la sensibilidad a la luz de una película. Aunque las cámaras digitales no utilizan película, han adoptado el mismo sistema de clasificación para describir la sensibilidad del sensor de imágenes de la cámara. Por lo general, a medida que aumenta la velocidad ISO, disminuye la calidad de la imagen.
Nociones básicas de Iluminación:
Usualmente, cuando preguntas a un fotógrafo sobre cuales podrían ser los conocimientos indispensables que todo profesional de la imagen debe tener, la respuesta más común es “Iluminación”. Pero no hablamos, por supuesto a lo referente a la técnica y al uso del equipo — o no en exclusivo — sino algo más profundo y probablemente más sutil: La luz como herramienta creativa. Y es que la luz siempre será ese elemento hermoso y desconcertante que brinda a la fotografía un concepto, un lenguaje, una manera de expresar ideas concretas.
Analizar correctamente cómo se ilumina una fotografía y además, la manera como la luz incide sobre la imagen final, te brindará una noción muy clara sobre influye la iluminación sobre el lenguaje fotográfico. Ten en cuenta que la luz — desde la fuente hasta la intensidad de exposición — tendrán parámetros y perspectivas propias con respecto a la imagen que pueden resumirse de la siguiente manera:
* La Dirección de la Luz: Analizar de donde proviene tu fuente de luz central.
Fotografiar es un ejercicio de observación, de manera que comprender cuanto influye — o no — la fuente y dirección de la fuente de luz que utilizarás, mejora sustancialmente tu fotografía. ¿De donde proviene la mayor fuente de luz de la que dispones? ¿Es natural? ¿Artificial? ¿Una combinación de ambas cosas? ¿Es suave y sutil o por el contrario muy fuerte y concentrada? ¿La fuente de luz se encuentra arriba de lo que deseas fotografiar o proviene de algún punto lateral? Precisar y comprender cuanto modifica o no el resultado visual todas las anteriores variables, te permitirá obtener un resultado fotográfico mucho más pulcro.
* Calidad de la Luz: Analizar la incidencia de la luz en el objeto fotografiado.
La calidad de la luz suele definirse como su dureza o suavidad, en clara referencia al efecto que pueda tener sobre el objeto fotografiado. Esta característica de la luz también es conocida como luz difusa o luz especular.
Si como a mi, te gustan los retratos ya sabrás que la mayoría de las veces la luz difusa es la ideal para lograr que una bella imagen del rostro de quien retratas: la suavidad de la luz tiene un significativo efecto en lograr la transición — gradual y la mayoría de las veces favorecedora — entre las zonas más oscuras y más claras. De hecho, esta es la principal característica de la luz difusa: su capacidad para crear una graduación progresiva y visualmente atractiva entre la luz y la sombra.
La Calidad de la luz se podría resumir en dos reglas concretas: Cuanto más pequeña sea la fuente de luz, más dura será la luz que produce y por lo tanto, más dramático el resultado. Al contrario — es decir cuando más grande sea la fuente de luz — más suave será el efecto que tendrá sobre el objeto o sujeto fotografiado.
* Intensidad de la luz: Analizar la concentración de la luz sobre el objeto fotografiado.
Cuando nos referimos a la intensidad de la luz, hablamos sobre su capacidad — o no — de iluminar completa y suficientemente el espacio que vamos a fotografiar. La intensidad de la luz varia de acuerdo al aumento o la disminución de la fuente de energía que lo produce. ¿Es suficiente para la medición técnica que usaré? ¿Que tan fuerte es en comparación de cualquier otra fuente de luz que podría competir con la iluminación principal? También influye la distancia en que se encuentre el objeto o sujeto a fotografiar de la fuente de luz que estés utilizando.
* La Temperatura de la luz: Analizar el efecto cromático de la luz sobre el objeto fotografiado.
La temperatura de la luz suele definirse como el carácter que la luz atribuye a la imagen. Técnicamente hablando, se refiere a algunas fuentes de luz y los colores que produce, que a su vez, influye en la percepción que el espectador tenga de la imagen. De hecho, cuando la temperatura de la luz se inclina hacia el lado naranja — rojizo del espectro cromático, produce una inmediata sensación de calidez en quién observa la imagen. Al contrario, cuando la temperatura del color tiende al lado azulado produce una sensación de frialdad. Esta percepción tiene un claro origen natural: El sol — fuente de iluminación central y primordial dentro del mundo de la imagen — produce tonos rojizos, mientras que los días nublados tienden a ser de color azul.
Nociones básicas sobre composición:
La composición te ayudará a crear fotografías visualmente y a resaltar el centro de interés en tus imágenes. Aprender y sobre todo, aplicar las reglas de composición te permitirá brindarle un depurado sentido estético a tu lenguaje visual.
Aquí incluyo un pequeño resumen de las principales reglas de composición fotográficas que creo, todo fotógrafo debe conocer al momento de crear una idea visual.
1. Identifica el centro de interés: ¿Cual es el tema principal de tu fotografía? ¿Que es lo que fotografiarás?
2. Completa el encuadre: Que el objeto principal que fotografiarás, llene la mayoría del encuadre de la imagen que tomas. Un fallo habitual en fotografía, es distraer la atención del sujeto principal con una serie de elementos accesorio que no tienen mayor utilidad visual. Ante la duda si algo debe aparecer o no en la fotografía, quitalo.
3. Apóyate en las líneas: Son la manera más práctica de dirigir la mirada del observador al objeto de interés. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes.
4. Trabaja en flujo: Es la manera como guías la mirada del observador a través de tus fotografías. Utilizas lineas, un cuidado equilibrio entre los objetos y el vacío para brindar un sentido general temático a tus imágenes.
5. Juega con la dirección: Es la ilusión de movimiento en la fotografía. Créalo a través de la utilización de objetos, símbolos y sobre todo, la manera de construir un lenguaje visual que denote no solo movimiento, sino fluidez dentro de la imagen.
6. Los elementos repetidos: Utiliza elementos que se repitan en escalas visuales similares para crear la sensación de orden y movimiento.
7. Composición por color: Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos, y ambas tonalidades del espectro producen diferentes reacciones psicologicas en el observador. Utilizalos para brindar a tus fotografías de una cualidad especifica o un expresión sensorial concreta.
8. El interés de los grupos de tres: Es una de maneras más sencillas de componer y organizar el espacio visual en fotografía. Se dice que existe una percepción especial en los números impares de la fotografía y los grupos formados por tres elementos, de manera que en fotografía, se suelen utilizar grupos de tres objetos / sujetos para acentuar el punto de interés.
9. La regla de los tercios: Aumenta el interés del objeto fotográfico focalizando la mirada del espectador, en tres puntos de interés distintos repartidos dentro del espacio visual utilizado.
10. El espacio negativo: Son espacios fotográficos que no ocupo ningún objeto / sujeto fotografiado, y que suele ser utilizado como relleno visual para brindar una sensación de orden o aislamiento dentro de una fotografía.
Referencias fotográficas:
La fotografía es un arte/técnica fruto de la experimentación, creación y sobre todo, de la visión de cada fotógrafo que decidió asumir el riesgo de romper las aparentemente inmutables reglas de la disciplina para crear algo nuevo y valioso. De manera que, cada creador visual brinda una nueva perspectiva a lo que la fotografía es, como proceso histórico, artístico y estético. Investigar sobre el trabajo de los grandes maestros fotográficos, los pioneros, cada fotógrafo que construyó un nuevo lenguaje visual que permitió a la fotografía evolucionar como proceso creativo, te brindará una perspectiva profunda y detallada sobre lo que la fotografía es, como arte y como expresión artística y sobre todo, como forma de comprender la época y la realidad que te rodea. Porque la fotografía, más que cualquier otra cosa, un reflejo de su tiempo, de la opinión y percepción del mundo de su autor y algo mucho más profundo, esa dimensión por completo personal que cada fotógrafo brinda a una imagen en particular. Comprender, analizar y estudiar el trabajo de los grandes protagonistas de la historia de la fotografía, te permitirá no sólo crecer como fotógrafo, sino además, tener un conocimiento muy amplio sobre cómo evolucionó la fotografía no sólo como expresión técnica sino ese sustancial símbolo del mundo contemporáneo.
Una lista corta, sin duda, pero que creo podría resumir, algunos aspectos de ese conocimiento esencial que todo fotógrafo debería asumir como una parte de su crecimiento no sólo profesional, sino como creador visual. Después de todo, la fotografía no se trata sólo de la manera como miramos, sino de las razones que sustentan esa mirada. Y más allá, de la forma como nuestras imágenes pueden resumir esa dicotomía esencial, que hace de una cámara la herramienta idónea para la expresión de las ideas.
0 comentarios:
Publicar un comentario